- Главная
- Наши музеи
- Художественная галерея
- По залам галереи
По залам галереи
РУССКАЯ ЖИВОПИСЬ XVIII – НАЧАЛА XIX ВЕКОВ
РУССКОЕ ИСКУССТВО РУБЕЖА XIX-XX ВЕКОВ
РУССКОЕ ИСКУССТВО НАЧАЛА ХХ ВЕКА
ИСКУССТВО ИТАЛИИ XV - XVIII ВЕКОВ
НИДЕРЛАНДСКОЕ ИСКУССТВО XV-XVIII ВЕКОВ
ГОЛЛАНДСКОЕ ИСКУССТВО XVII-XVIII ВЕКОВ
ИСКУССТВО ФРАНЦИИ XVIII - XX ВЕКОВ
Основу собрания древнерусской живописи составляет коллекция историко-этнографического музея княгини Марии Клавдиевны Тенишевой, которая была сформирована на рубеже XIX-ХХ веков. Время создания наиболее ранних из представленных икон – XV век, самых поздних – начало XIХ века.
Икона существовала в России как единственная форма станковой живописи вплоть до XVIII века. Живописная культура всего христианского мира строилась на возвышенных традициях византийской школы. Но именно на русской почве византийский канон претерпел такие изменения, которые отличают творения древнерусских мастеров.Существовало несколько иконописных школ со своими особенностями колорита, построением композиции, излюбленными сюжетами.В каждой из этих икон отчетливо прослеживаются черты принадлежности к разным художественным центрам.
Среди подлинных шедевров древнерусского искусства псковской иконописной школы – икона XV века «Спас Нерукотворный». Образ Нерукотворного лика был очень распространенным и почитаемым на Руси с древних времен. В основу положено предание о том, что сам Спаситель послал убрус (полотенце) со своим чудесно запечатленным ликом эдесскому царю Авгарю, страдавшему неизлечимой болезнью и исцелившемуся после прикосновения к чудотворному образу. Спас изображен на убрусе, который держат два ангела. Лик Христа преисполнен чувства всепрощающей, спасительной любви и готовности принести себя в жертву. Иисус изображается смотрящим на зрителя. Его глаза светятся мудростью и любовью. От него веет строгим вдумчивым покоем, призывом к высокой вере.
XVI век привнес в икону повествовательность, желание рассказать о событиях из жизни Христа в яркой, жизнеутверждающей форме. Примером служит новгородская икона, рассказывающая о чудесном воскрешении Лазаря. Христос через четыре дня после смерти воскресил усопшего праведника. Свидетелями чуда стали апостолы и сестры Лазаря. Художественный язык новгородской иконы прост, лаконичен, четок. Композиция строится на сочетании крупных форм и ярких локальных цветовых пятен.
Новгородские иконы XVI века «Архангел Михаил» и «Архангел Гавриил», входившие в иконостас, характеризуются простотой композиции, праздничностью колорита, лаконичностью и артистической выразительностью силуэтов. Сильно влияние народного искусства в иконе «Чудо о Флоре и Лавре». По мнению ряда исследователей, данная иконография – архангел Михаил вручает братьям Флору и Лавру поводья коней, оседланных для битвы – бытовала только на Руси, особенно в этом регионе. В иконе нашли воплощение лучшие черты новгородского классического искусства – четкий рисунок, контрастные цвета, яркая праздничная палитра.
Ряд представленных икон можно определить понятием «северные письма». Этот термин объединяет своеобразное по стилю искусство иконописи различных художественных центров и областей Севера. Так, Обонежье представляет редкая икона «Огненное восхождение пророка Илии», сюжет которой навеян библейскими текстами о ветхозаветном пророке Илье. Особенным цветовым строем отличается икона XVIвека «Покров Богоматери» - образец древнерусской живописи Вологды. Такой сюжет известен только на Руси и появился еще в XIII веке. Богоматерь в окружении сонма святых простёрла свой плащ-мафорий над молящимися, беря их под свою защиту. Рожденное на византийской почве предание о заступничестве Богоматери воплотилось в зримый художественный образ.
В числе уникальных экспонатов, ранее находившихся в коллекции Марии Клавдиевны Тенишевой, - иконы «Дмитрий Солунский», «Георгий Победоносец» и «Никита Воин». Образы святых воинов считались покровителями князей и ратных людей, поэтому их изображения нашли широкое распространение в русской иконописи.
Особое место занимают изображения Святителя Николая Мирликийского – одного из наиболее почитаемых на Руси греческих святых. Образ Николая (Николы) запечатлен в иконах XVII века: «Святитель Николай Чудотворец» и «Николай Можайский».
Две иконы исторически связаны со смоленской землей: «Богоматерь Одигитрия Смоленская» и «Святые Федор, Давид и Константин». На иконе «Святые Федор, Давид и Константин» изображен сын смоленского князя Ростислава Мстиславича II – князь смоленский и ярославский Федор Ростиславич со своими детьми. Православной церковью они почитаемы как чудотворцы.
Святыней Смоленска, своеобразным символом города является икона «Богоматерь Одигитрия Смоленская», датированная началом XVII века и представляющая собой один из списков со знаменитой византийской иконы «Богоматерь Одигитрия». Древнее сказание о появлении этого списка на Руси говорит, что этой иконой Византийский император Константин благословил свою дочь Анну на брак с Черниговским князем Всеволодом. После того, как икона досталась по наследству Владимиру Мономаху, он поставил ее в специально выстроенном в 1101 году Смоленском Успенском соборе. С тех пор святыню стали именовать Смоленской. Одигитрия в переводе с греческого означает «путеводительница». Она указывает путь духовного возрождения человека. Богоматерь изображена с Божественным Сыном на руках. В ее глазах и любовь, и страдание, и глубокое смирение перед неизбежностью грядущей судьбы Сына. Младенец держит в левой руке свиток, знак учения, а правой – благословляет.
Собрание резных икон также напрямую связано с коллекцией Марии Клавдиевны Тенишевой. Традиционно считается, что объемные изображения святых не характерны для русской культуры. На разных исторических этапах в православной резьбе видели то пережитки языческих верований, то католическое влияние. Несмотря на официальное неприятие, рельефные моленные иконы и церковные скульптуры продолжали изготовляться резчиками по всей России. В одних иконах изображение отличается статичностью, условностью и дополнено полихромной темперной росписью – «Богоматерь Семистрельная», «Зосима Соловецкий». Другие характеризует большой динамизм, обилие мелких деталей, тончайшая проработка ликов, складок одежды – «Воскресение. Сошествие во ад», «Сретенье Господне». Когда в конце XIX века была осознана художественная ценность русской иконы, вспыхнул интерес и к резной иконе. Без этих памятников, рожденных резцом и талантом, невозможно в полной мере осознать ценность древнерусского искусства.
Выдающийся русский религиозный философ отец Павел Флоренский писал: «Среди мятущихся обстоятельств времени, среди раздоров, междоусобных распрей, всеобщего одичания и татарских набегов, среди этого глубокого безмирия, открылся духовному взору бесконечный, невозмутимый мир. Вражде и ненависти, царящим в этом мире, противопоставлялась любовь, царящая в вечном согласии, в вечной безмолвной беседе».
РУССКАЯ ЖИВОПИСЬ XVIII– НАЧАЛА XIX ВЕКОВ
Основу музейной коллекции русской живописи XVIII – XIX веков составляют произведения, поступившие в 1920-30-е годы из национализированных поместий Смоленской губернии, а также фондов Государственной Третьяковской галереи, Румянцевского музея и Цветковской галереи.
XVIII век был ознаменован для России значительными переменами в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, характер, средства художественного выражения. Это время утверждения светского начала в искусстве и его сближения с западноевропейскими традициями. Особенно ярко новые тенденции проявились в портрете, который стал ведущим жанром в живописи и скульптуре.
В становлении и развитии портрета общеевропейского типа важную роль сыграли иностранные художники, приглашенные на русскую службу. Они не только помогали создавать новое искусство, но и были учителями русских живописцев. Для обозначения творчества европейских мастеров появился специальный термин – россика. В экспозиции россика представлена портретами кисти Карла Христинека, Жана Луи Вуаля, Иоганна Фридриха Гроота, Иоганна Баттиста Лампи Старшего, Александра Рослина. При всей своей репрезентативности созданные ими образы содержат черты, соответствующие идеалам эпохи.
Наблюдение, изучение человека – такова основа живописи XVIII столетия. Во второй половине века русский портрет становится всё тоньше, «разговорчивей». Интерес художников направляется на постижение внутренних переживаний человека, создание психологического образа. В собрании галереи представлен «Портрет неизвестной в светло-сером платье» кисти признанного мастера камерного портрета Федора Рокотова. Мерцающее в полумраке лицо дамы задумчиво, немного таинственно, на губах едва уловимая улыбка, взгляд погружён в себя. Мягкость границ, размытость контуров изображения придают особый характер образу. Этот портрет – один из лучших в ряду произведений Федора Рокотова 1770-х годов.
Скульптурный портрет XVIII века представлен работой прославленного ваятеля Ивана Петровича Мартоса. Бюст представителя знаменитого рода Паниных – Ивана Васильевича – интересен как одна из наиболее ранних работ в творчестве художника. Скульптуру отличает стремление к гармоничной целостности композиции, ясность и строгость формы. Она была заказана потомками Панина и исполнена в 1780 году не с натуры, а по сохранившейся миниатюре.
Жанр натюрморта представлен одной работой немецкого живописца-анималиста, первого руководителя «класса живописи зверей и птиц» Императорской Академии художеств Иоганна Фридриха Гроота. «Натюрморт с битой дичью» вполне в духе натюрмортных композиций художника этого времени. В своих полотнах Гроот выступает как большой знаток и умелый мастер изображения животных. Он внимательно вырисовывает каждое перышко и каждый цветочек, передает тонкость переливов оперения, нежность незабудок и маргариток. Все это написано очень точно, колорит картины приглушенно насыщен.
Начало XIX века ознаменовано в русском искусстве рождением нового художественного течения – романтизма, хотя русская живопись первой половины XIX века – явление сложное и неоднородное. Так, в портрете видного государственного деятеля польского князя Адама Чарторыжского работы Степана Семеновича Щукина присутствуют одновременно черты, характерные для искусства XVIII века, и элементы нового романтического взгляда на человека.
Воплощение реалистических тенденций в русской живописи первой половины XIX века связано с именем Василия Андреевича Тропинина. Его творчество представлено двумя портретами: Теодосия Бобчака (одним из самых ранних произведений художника) и мальчика Яковлева. Полотна подкупают искренним интересом автора к человеку, попыткой постичь природу человеческой личности, независимо от социального происхождения и возраста модели.
Будучи избранным членом Петербургской Академии художеств, Василий Тропинин, тем не менее, не является для неё типичной фигурой, в отличие от других известных мастеров академической школы – Алексея Егоровича Егорова и Федора Антоновича Бруни. В работах «Иосиф и жена Потифара» и «Саул у Аэндорфской волшебницы», отвечающих строгим требованиям академической эстетики, отчётливо звучит дидактическое начало, а средства художественной выразительности подчинены классической схеме. Герои классически сложены и прекрасны, а проявление их чувств сдержанно, изящно и благородно.
Творчество выпускника Академии художеств, одного из основоположников русского батального жанра Богдана Павловича Виллевальде представлено работой «Постой офицеров в деревне». Произведение относится к последнему периоду творчества мастера, когда он предпочитал эффектным большим композициям работу над изящными, небольшого размера батально-жанровыми произведениями на сюжеты из кампании 1813-1815 годов.
Особое место в экспозиции занимают портреты провинциальных художников. Представители дворянства, чиновничества, купечества небольших провинциальных городов не в состоянии были приглашать именитых живописцев, поэтому часто довольствовались услугами талантливых крепостных и мастеров-самоучек, не прошедших академической школы. Воспитанные на народных традициях, знакомые с иконописной техникой провинциальные мастера, следуя моде и требованиям заказчика, создавали самобытные произведения.
Экспозиция зала включает произведения различных художественных направлений и достаточно полно отражает основные тенденции в развитии отечественного искусства, что позволяет оценить значение этого периода для истории искусства в целом.
В середине XIX века Императорская Академия художеств оставалась центром художественной жизни. В ней учились и преподавали мастера, прославившие русское искусство. В их числе яркий представитель романтического маринистического пейзажа, выпускник Академии художеств Иван Константинович Айвазовский. Написанное по всем правилам академической живописи полотно «Лунная ночь на берегу моря» и совершенно не характерный для мариниста Айвазовского сухопутный пейзаж «Зимний обоз в пути», вошедший в живописную серию «Богатства России», – настоящие жемчужины собрания. Успех последней картины на парижской выставке принёс её автору французский орден Почётного Легиона. Оба полотна поступили в музей из коллекции княгини Марии Клавдиевны Тенишевой.
Тенденции романтического пейзажа отчетливо видны в работе Архипа Ивановича Куинджи «Исаакиевский собор при луне». Это одна из ранних работ мастера, она несет в себе черты идеализированного восприятия природы. Интересно и само событие, ставшее темой этой картины – наводнение в Петербурге. В основе своей драматическое и даже трагическое явление становится поэтическим в изображении художника.
К середине столетия противостояние академической традиции и новой изобразительной системы, ориентированной на демократические идеи, обостряется. Эти процессы связаны с деятельностью Товарищества художественных передвижных выставок. Именно передвижники создали национальный реалистический пейзаж, противопоставленный академическому идеализированному изображению природы. Пример тому – два этюда «певца русского леса» Ивана Ивановича Шишкина и пейзаж Федора Васильева, у которого образы природы наполнены особой поэтичностью и глубиной чувств. Неяркая обыденная красота русской природы приобретает нравственную ценность.
Новое понимание природы нашло отражение в работах Исаака Ильича Левитана. Создатель «пейзажа настроения» Левитан трактует природу как воплощение жизни человеческой души: от овеянной тоской и печалью в «Сером дне» до одухотворенно-возвышенной в «Облаке» и «Осени». Психологическая тонкость, глубина, достоверность – вот те качества, которые делают художественный язык мастера пронзительным, неповторимым и узнаваемым. А.П. Чехов очень точно сказал о живописи Левитана: «Средства его просты – так мало нот и так много музыки».
С деятельностью Товарищества передвижников во второй половине XIX века связано дальнейшее развитие бытового жанра в русском искусстве, который не поощрялся Академией. Доступность художественного языка, способность поднимать темы, волнующие общество в данный исторический момент, позволяют передвижникам приблизить искусство к жизни простых людей. К бытовому жанру обращались Константин Савицкй и Кирилл Лемох. Художники, представляя детали крестьянского быта, словно выступают в роли рассказчиков и делают это на высоком профессиональном уровне. Натюрморт, написанный Юлием Клевером, интересен умелой композицией, особой материальностью изображаемых предметов и самим их выбором.
Большое место в творчестве художников-передвижников занимают произведения на исторические сюжеты. В них они видят достойный пример для воспитания (как это было принято в академическом искусстве), учат зрителя рассуждать, проводят параллели с современной действительностью. В основу произведения Клавдия Васильевича Лебедева «Послы к боярину Стрешневу» легла сцена из жизни русского государя Алексея Михайловича, отца будущего императора Петра I.
Признанный мастер исторического жанра Василий Иванович Суриков представлен двумя небольшими этюдами к знаменитому полотну «Покорение Сибири Ермаком». Их можно рассматривать не просто как подготовительный материал, но и как попытку увидеть заинтересованным взглядом иные лица и характеры.
Новые темы были восприняты и скульпторами XIX века, в числе которых Евгений Александрович Лансере и Артемий Лаврентьевич Обер. Интерес к жизни других народов, страсть к путешествиям нашли отражение в пластических образах, характеризующихся любовью к передаче деталей и тщательной, почти ювелирной их проработкой.
Демократическое обновление русского общества в 1860-1870-х годах затрагивает и портретную живопись. Человек, изображенный во всей своей психологической сложности, оценивается еще и по его роли в обществе. Выполненный Ильей Ефимовичем Репиным портрет Марии Клавдиевны Тенишевой, отличается яркой убедительностью внешней характеристики модели. На талант княгини – певицы и музыканта – в портрете указывают ноты в ее руке.Княгиня изображена в энергичном повороте, со взглядом, устремленном на зрителя.
Портрет Марии Тенишевой в исполнении Валентина Александровича Серова – пример перехода от старых принципов аналитического реализма к новейшим системам художественного мышления. Ему удается дать лаконичную психологическую характеристику модели, подчеркнув неоднозначность богато одаренной артистической натуры княгини. Психолог Серов сыграл важную роль в развитии нового взгляда на человека в портрете конца XIX – начала ХХ веков. Русская художественная культура этого периода оказалась насыщенной крупнейшими явлениями. Деятельность художников представляет собой удивительно многоликую картину, где соседствуют мастера различных творческих ориентаций и стилевых направлений.
РУССКОЕ ИСКУССТВО РУБЕЖА XIX-XX ВЕКОВ
В восьмидесятые годы XIX века в жизнь вступило поколение живописцев, желающих не только отображать существующую действительность, но и преподносить ее в смелой, неожиданной форме, показать видимое через свое восприятие. Быстро менялся мир, изменялись вкусы, мнения, взгляды. На фоне исторических взрывов, на многие годы определивших судьбу России, происходит возникновение новых творческих систем.
Одним из первых был образован «Союз русских художников», представителем которого является «русский импрессионист» Константин Коровин. Портрет Марии Клавдиевны Тенишевой написан им на пленэре – легко и энергично – в манере, свойственной французским импрессионистам. Это скорее впечатление от натуры, а не портрет в привычном понимании. В облике Тенишевой – настроение летнего дня, прозрачность воздуха, сочность зелени. Импульсивность характера, энергичность натуры Коровина проявились и в многочисленных эскизах к театральным постановкам.
Определяющей силой в художественной жизни России рубежа XIX и XX веков стало объединение «Мир искусства». Идея автономии искусства, широкая культурно-просветительская деятельность укрепляли веру в неисчерпаемые возможности художественного творчества. Впервые звучит лозунг: «Искусство для искусства». Представленные произведения ведущих мастеров этого объединения: Александра Бенуа, Константина Сомова, Льва Бакста, Александра Головина и других – относятся ко времени становления и активной деятельности «Мира искусства».
Александр Бенуа – вдохновитель и теоретик мирискусников – призывал во всем искать красоту и писать ее. Бенуа создал целую серию, посвященную Версалю. Так, «Прогулка короля» удивляет изяществом, изысканностью формы и колорита. Переливы жемчужного цвета, причудливые изломы тонких ветвей создают чарующий, таинственный мир. Имя Александра Бенуа часто упоминается в связи с деятельностью Тенишевой. Он подбирал и покупал для нее произведения молодых художников, помогал в составлении каталога ее коллекции.
Константин Сомов – яркий представитель русского модерна и символизма – как и Бенуа, воскрешает давно ушедший мир галантных придворных балов и маскарадов. Его жанровые сцены порождают ностальгию по канувшему в прошлое XVIII веку. Современность столь романтически и необычно синтезируется в них с ретроспекциями давно минувших дней, что дамы в картине «Отдых в лесу» кажутся элегантными выходцами из иного, потустороннего мира. Произведение отличается внутренней мистичностью, призрачностью, одухотворённой утончённостью.
Свой неповторимый путь в искусстве был у Михаила Врубеля. Он представлен керамической скульптурной работой «Весна», навеянной оперой Н.А.Римского-Корсакова «Снегурочка». В облике сказочной Весны угадываются портретные черты жены художника Надежды Ивановны Забелы-Врубель. Художник создает скульптуру, понимая материал как цветной камень, а не как глиняный фон для росписи красками.
По многогранности таланта, разнообразию и яркости его проявлений с Михаилом Врубелем и Константином Коровиным можно сравнить Александра Головина. Художник увлечен тонкой разработкой колорита, дающего бесконечное количество оттенков. В «Портрете дамы» – это вариации белого цвета, который не сливается в однообразное пятно, а имеет богатейшую палитру тонких цветовых переходов.
Творчество Николая Константиновича Рериха – явление исключительное в истории русского и мирового искусства. Его полотна притягательны своеобразием тем и сюжетов, их поэтичностью, глубоким символизмом. Через знак, символ мастер философски осмысливает мир, бытие человека. «Гнездо Преблагое» и «Помин о четырех королях» - пример глубоких размышлений художника о вопросах синтеза русского народного фольклора, христианства и восточных религий. Имя Рериха самым тесным образом связано со Смоленском и с художественным центром в Талашкине. Он много ездил по России, бывал в соборах, монастырях и написал целую серию архитектурных пейзажей, таких, как «Псковский погост».
Яркой фигурой на рубеже XIX-ХХ веков был Игорь Эммануилович Грабарь – художник, искусствовед, критик, реставратор, архитектор. Его называли последним из пленэристов России. Но, освоив лучшие достижения импрессионизма, он нашел свой художественный стиль в искусстве – неповторимый и своеобразный. Уголок усадьбы приобрел в его пейзаже совершенно новый облик, наполнившись задушевностью и теплотой.
Богатое живописное наследие оставил Исаак Израилевич Бродский. Одаренный художник быстро определился в искусстве. В многочисленных картинах (преимущественно пейзажных) он с известной манерностью использовал некоторые приемы и мотивы живописи старых мастеров, осторожно внося в них элементы модернизма и символистской фантастики. Бродский привлекает зрителя своим особым поэтическим мироощущением.
На рубеже веков мир, отражаясь в зеркале искусства, превращается в затейливый изысканный орнамент, причудливую декоративную комбинацию красок, объемов, орнаментов, ритмов. Изощренная фантазия художника, болезненный душевный надлом уносят зрителя прочь от всего привычного и обыкновенного. Те же образы, тот же взгляд на мир определил и искания поэтов Серебряного века. Поэтическое и изобразительное искусство впервые так сблизились и предстали цельным художественным явлением – явлением высокого духовного наполнения.
РУССКОЕ ИСКУССТВО НАЧАЛА ХХ ВЕКА
.jpg)
В начале ХХ века художественная жизнь в России решительно переменилась. В искусстве начинают зарождаться новые тенденции, появляются новые творческие объединения, противопоставившие себя всем существующим на тот момент. На сцену столетия выходит русский авангард. Его появление – свидетельство завершения определенного исторического этапа, ломки общественного сознания, низвержения авторитетов, крушения идей и идеалов. Разрушается привычное представление об искусстве как непосредственном отражении действительности. В картину вторгается формальный эксперимент. Как никогда агрессивно он подчиняет себе натуру, коренным образом перестраивая закон художественной формы.
В 1907 году после выставки «Голубая роза» ее участники объединились в союз под тем же названием. Уже само словосочетание «Голубая роза» указывало на некую парадоксальность и символистские устремления художников. «Мираж в степи» Павла Кузнецова – это тоска по несбыточному. Плоть зримого мира тает в картинах, его живописные видения, сотканные из образов-теней, почти ирреальны и обозначают едва уловимые движения души. Разбеленные оттенки цвета словно стремятся к слиянию в одно целое, мир представляется окутанным цветным туманом.
Выставка «Бубновый валет» 1911 года положила начало другому, весьма скандальному направлению в русском искусстве. Молодых художников: Роберта Фалька, Аристарха Лентулова, Петра Кончаловского, Илью Машкова, Александра Куприна, Василия Рождественского – не устраивала вся отечественная живописная система. Не удовлетворяясь созданием изысканных «очагов» красоты и тайны, авангард ввел в свои образы грубую материю жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой. «Бубнововалетцы» восприняли опыт Поля Сезанна, фовистов, черты кубизма, но по по-своему перетолковали их достижения.
Молодые мастера были склонны к эпатажу, так Роберт Фальк провоцирует публику уже одним названием своей картины – «Пейзаж со свиньями». Он использует некоторые приемы "вывесочного" примитива. В лубочной манере с добродушной усмешкой написаны цветные мазанки провинциальной улицы, фигура человека, стадо свиней.
Все, что изображает Илья Машков, он превращает в яркую нарядную композицию. Его густые и плотные краски звучат с необыкновенной силой, а психологическая характеристика модели в «Женском портрете» заменяется эмоциональной, «живописной». Машкову, набравшемуся жизненного опыта, работая в лавках у торговцев, «бубнововалетская» эстетика вывесок и городского наивного искусства особенно близка.
Такое же наслаждение от разноцветности мира получает и Аристарх Лентулов в своем «Городском пейзаже», которому присущи экспрессивная звучность цвета и декоративность. Художник писал угловатыми пятнами насыщенного цвета, добиваясь выразительности и свежести формы.
Петр Кончаловский, один из основателей, а позднее и председатель «Бубнового валета», был создан для живописи, ощущал мир живописно – как пиршество красок – и едва ли не олицетворял собой само это искусство. У этого художника – особый способ динамизации изображения – использование активного, свободного мазка, подвижной кисти, которой он «лепит» свою модель. Этот прием помогает создать образ энергичного и уверенного в себе человека в «Портрете адвоката Брауна».
Триумф русского авангарда немыслим без участия женщин. Широкий диапазон их эстетических идей представлен двумя оригинальными, исключительно талантливыми работами, отразившими некоторые черты стилистической истории русского авангарда – от примитивов Натальи Гончаровой до живописных конструкций Любови Поповой. Поддерживая идею культурного возрождения, «русские амазонки» отвергали то, что по их представлению было отжившими свой век эстетическими канонами.
Наталья Гончарова черпала вдохновение в русской иконе, народных лубочных картинках, в языческих идолах, каменных «бабах». Особенностью ее живописи был постоянный эксперимент и смена стилистических предпочтений. Как заметила Марина Цветаева, Наталья Гончарова работает «всегда, везде и во всех областях живописи».
Любовь Попова также не была удовлетворена пассивным отображением мира на холсте. Она заменяет это иллюзорно-реалистическое восприятие другим, приходит к почти полному отрицанию натуры, к самостоятельному ее интерпретированию, создавая новую действительность. Ее процесс работы над картиной подобен строительству – Попова, в поисках гармонии целостного организма, ломает и распределяет формы, скрепляет разные части, вправляет их друг в друга. Нельзя переоценить силу и важность этого живописного эксперимента.
Русский авангард постоянно влекли «странные миры» новой науки и техники – из них он брал не только сюжетно-символические мотивы, но также многие конструкции и приемы. С другой стороны, в искусство все активнее входил примитив и фольклор. Мировому диалогу культур авангард придал невиданную остроту.
ИСКУССТВО ИТАЛИИ XV - XVIII ВЕКОВ
Итальянская живопись представляет собой наиболее ценную часть собрания западноевропейского искусства. Основа коллекции – произведения, попавшие в музей из многочисленных национализированных имений Смоленской губернии. Немало экспонатов поступило из Государственного музейного фонда и Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина в 1920-1930-х годах.
Представление об искусстве Возрождения дает ряд произведений живописи XV-XVI веков. Гении Возрождения стремились к уравновешенной гармонии, ставшей со временем идеалом итальянской классики. Ренессанс пронизан верой в творческие силы человека, в разумное устройство мироздания. Черты ренессансного понимания мира и человека определяют «Портрет ювелира».
Религиозная тема занимала ведущее место в итальянском искусстве XVI-XVII веков. Новозаветные сцены в изображении Лодовико Карраччи, Симоне Кантарини, Гвидо Рени полны внутренней сосредоточенности и тихого лиризма. Эти художники представляют Болонскую школу живописи – ярчайшее явление европейского искусства этого времени. Деление на школы было следствием экономического и политического устройства Италии (страна состояла из самостоятельных городов-государств). Экспозиция дает представление о разнообразии школ: венецианской, флорентийской, неаполитанской, римской, сиенской. Каждая отличалась своим отношением к колориту, светотеневой моделировке и проблемам перспективы.
В XVII веке в итальянской живописи стал складываться стиль барокко. На смену ренессансному чувству меры и ясности приходит искусство, построенное на контрастах, асимметрии, перегруженности декоративными мотивами. С разнообразием художественных направлений знакомят произведения Бернардо Строцци, Луки Джордано, Сальватора Розы, Джованни Антонио Пеллегрини.
В целом, собрание итальянской живописи позволяет составить представление об основных особенностях изобразительного искусства этой страны.
Коллекция испанской живописи невелика, но ценность ее неоспорима в силу принадлежности произведений к Золотому веку испанского искусства, каким было XVIIстолетие. Все четыре полотна отличаются особой выразительностью и высочайшим уровнем мастерства художников.
Важным фактором формирования испанского искусства была идеология. В этот период в Испании действовало огромное количество монашеских орденов, имевших большую материальную и духовную власть. Именно они выступали основными заказчиками произведений искусства. Особенно яркое воплощение художественные идеалы Испании нашли в творчестве одного из выдающихся реалистов Франсиско де Сурбарана. Художник создал целую галерею образов святых мучениц, к которым относится «Святая Юста». Облик святой предельно прост и сдержан, он покоряет совершенством пластической выразительности, силой и глубиной религиозного переживания. Такая живопись, столь близко граничащая с реальностью, позволила современникам говорить о том, что мало кто пишет религиозные композиции с таким благочестием, как Сурбаран.
Испанская аристократия оживает в двух портретах работы неизвестного художника. В них удачно соединились глубина жизненных наблюдений с тонким художественным вкусом и особым благородством стиля. Эти парадные образы отличаются подчеркнутым достоинством, величавостью и эмоциональной сдержанностью.
Специфически испанский тип цветочного натюрморта, в котором простота и безыскусность композиционного решения органично сочетается с декоративной выразительностью колорита, создал Хуан де Арельяно. Произведения этого мастера крайне редко встречаются в отечественных собраниях.
Испанское искусство XVII века многопланово: в нем чистота и одухотворенность, мятежность и бесстрашие, глубина и прямодушие. Эти черты завораживают до сих пор.
НИДЕРЛАНДСКОЕ ИСКУССТВО XV-XVIII ВЕКОВ
.jpg)
На рубеже XV-XVI веков возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии, и Ренессанс стал более широким понятием. Представление об искусстве Северного Возрождения дает ряд произведений нидерландской живописи XV-XVI веков. Нидерландами в XV веке называли земли у берегов Северного моря (ныне Голландия и Бельгия). Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономике и культуре. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости. Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Во всех слоях общества усилилось стремление к украшению и опоэтизированию окружающего. Продолжатели традиций итальянских мастеров умели вдумчиво и не торопясь созерцать окружающую среду, утверждая ценность обыденных предметов, простых вещей и явлений. Коллекция нидерландской живописи эпохи Возрождения в собрании музея невелика, но содержит ряд интересных работ.
Небольшая по размерам работа «Мадонна с младенцем» мастера школы Мемлинга конца XV века проникнута ясным гармоничным духом Возрождения, при этом одухотворенный облик Мадонны имеет черты земной женщины. Руку северного художника выдает трогательная привязанность к миру вещей: остроконечные крыши дома, фигурка крестьянина, листва на деревьях – все выписано максимально конкретно. Для нидерландцев тема Марии и Младенца также важна, как и для итальянцев, но образ Богоматери на картинах неизвестных художников Северного Возрождения носит менее отвлеченный характер.
Еще один пример живописи северного Возрождения – «Мадонна с младенцем» работы неизвестного нидерландского живописца XVI века. Это традиционное изображение Девы Марии с младенцем Иисусом, держащим в руках щегленка – символ пролитой крови. Здесь явственно ощутима ориентация на произведения Леонардо да Винчи. Об этом говорят динамика изображения, лирическая одухотворенность образа Богородицы, моделировка фигур, утонченная манера письма. С тщательностью выписан натюрморт на первом плане – в этом выражено умение найти поэзию в повседневности.
В нидерландской живописи XVIвека сохранялся символизм мышления, идущий от готики и средневековой культуры. Так, символикой проникнут каждый предмет в работе «Святой Иероним в келье». Лицо святого, каждая деталь композиции напоминает о бренности бытия: череп и погасшая свеча на столе, часы, ножницы... Иероним – один из самым популярных Отцов Церкви, покровитель ученых и студентов, образованнейший человек своего времени, сумевший перевести Святое Писание на латинский язык.
Художники Северного Возрождения переносят религиозную картину в реальный, привычный для человека XVIвека мир. Это может быть интерьер комнаты, как в изображении Яна Госсарта, или городской пейзаж, как в алтарных створках работы неизвестного художника.
В ходе буржуазной революции XVI века произошло разделение Нидерландов на Южные и Северные провинции. Земли юга Нидерландов вошли в состав государства, получившего название Фландрии. К XVIIвеку окончательно разделилась на фламандскую и голландскую и единая нидерландская школа живописи.
Фламандское искусство XVII века отличает жизнеутверждающий, полнокровный характер, достоверная передача вещественности, будь то фактура тканей или живая плоть. Основным заказчиком оставалась католическая церковь, а наиболее распространенным видом крупного живописного произведения была композиция, помещавшаяся над алтарем. К подобному типу алтарной картины можно отнести работу «Поклонение волхвов» неизвестного фламандского художника. Картина пронизана любовью к жизни: Мадонна – цветущая земная женщина, похожая на простую фламандку. Маленький Христос – здоровый, пухлый ребенок. В барочном понимании композиции, изображении здорового тела и дорогих тканей чувствуется влияние Рубенса.
Во 2-й половине XVI – начале XVII века из религиозной картины выделились жанры портрета, пейзажа и натюрморта. Распространению натюрморта способствовал интерес искусства к быту и частной жизни человека. Одним из блестящих мастеров фламандского натюрморта являлся Гаспар Петер Вербрюгген, прекрасно изображавший цветы и плоды. Натюрморт Вербрюггена отличается яркой декоративностью и иллюзорной точностью передачи натуры. Изображение различных цветов, красота и разнообразие их форм и расцветки занимали фламандцев XVII столетия не меньше, чем их символика.
Среди поздних фламандских художников наиболее известным был Давид Тенирс Младший. «Картинная галерея в Брюсселе» – один из многочисленных вариантов изображения Эрцгерцога Леопольда Вильгельма со своей живописной коллекцией. Кисти Тенирса принадлежит и «Пейзаж с путниками». Подобные увлекательные жанровые картины были рассчитаны на украшение домов властвующих особ, буржуа, а зачастую и простых горожан.
XVII век стал для Северной Европы поистине «золотым веком» искусства.
ГОЛЛАНДСКОЕ ИСКУССТВО XVII-XVIII ВЕКОВ
Коллекция голландской живописи занимает особое место в собрании Смоленского государственного музея-заповедника. В ряду многочисленных произведений западноевропейского искусства – это самый цельный раздел. Он сформировался в 1920-е годы, а основу составили поступления из национализированных дворянских имений. Так из имения Дондуковых-Корсаковых (Романово) поступили произведения «Три отрока в пещи огненной» Якоба Виллемса де Вета Старшего, «Портрет Клары Алевейн в костюме Флоры» Дирка Диркса Сантвурта, «Мужской портрет» Николаса Элиаса Пикеноя, «Женский портрет» Михеля ван Миревельта. Из имения Паниных (Дугино) поступили полотна «Крестьянский двор» Исаака Остаде и «Натюрморт. Десерт» Симона Эберта Люттихейса. Произведения мастеров Яна Асселейна «Зимний пейзаж», Яна Мейтенса «Портрет дамы в желтом платье» были переданы из Смоленского филиала Московского археологического института.Не менее ценными оказались поступления из отдела Изобразительного искусства Наркомпроса, а в 1930-е годы – из Государственного музея изящных искусств (ныне ГМИИ им. А.С.Пушкина).
Искусство Голландии логично выросло в искусстве Нидерландов XV-XVI веков, когда они были единым государством. С XVII века прошло государственное и художественное разграничение, что побудило формирование двух национальных художественных школ, единых по происхождению, но разных по признакам: фламандская и голландская.
В истории Голландии XVII век был временем мощного подъема экономической, политической и культурной жизни страны. В Голландской республике получили широкое распространение естественные и гуманитарные науки, литература и книгопечатание, но самым значительным и ярким из того, что было создано в «золотой век», была живопись.
В этой небольшой стране, добившейся после долгих войн с Испанией самостоятельности и независимости, искусство обрело прочную реалистическую основу. Здесь впервые в истории мирового искусства реальная действительность стала неисчерпаемым источником творческого вдохновения, начальной и конечной точкой художественного замысла. После освобождения северных нидерландских провинций из-под власти испанского короля и опеки католической церкви художники стали работать на широкий круг «потребителей». Картины вошли в быт, став предметом обстановки бюргерских домов. В голландской живописи этого времени завершилось сложение разветвленной системы жанров, которое началось еще в эпоху Возрождения. Господствующими жанрами становятся портрет, пейзаж, натюрморт и бытовая картина.
Главным заказчиком и ценителем искусства стал бюргер, для которого важнее всего были «правда жизни» и добротность исполнения. Деловой человек в портрете работы Николаса Элиаса Пикеноя полон самоуверенности, достоинства и гордости. Держа в руке лимон, торговец фруктами намеренно указывает на род своих занятий.
В число наиболее талантливых портретистов первой половины XVII века входил Михель ван Миревельт. Художник основал огромную мастерскую и школу портретной живописи в Дельфте, где работал со своими сыновьями и многочисленными учениками. Результатом совместной работы стал «Женский портрет», в котором сам Миревельт писал скорее всего лицо и руки, а ученики – одежду, аксессуары и фон.
Ни в одной другой стране бытовая живопись не занимала столь важного места в системе жанров, как в Голландии. Небольшие по размеру картины «малых голландцев» описывали все стороны жизни людей всех социальных слоев. С большой конкретностью и убедительностью это демонстрируют произведения Яна Моленара, Франса ван Мириса Старшего, Исаака Остаде и Яна ван Олиса. Композиции точно схватывают своеобразие определенного уклада жизни, его внешние приметы и колорит.
Небывалый расцвет переживает жанр натюрморта, пройдя путь от скромных «завтраков» к роскошным «десертам». Натюрморт Симона Эберта Люттихейса относится к типичным произведениям зрелых лет художника, когда он в совершенстве владел всеми средствами художественной выразительности. На бархатной скатерти небрежно расставлены дорогие предметы и разложены изысканные угощения – такое изобилие и роскошь были чертой всех голландских «десертов».
В первой половине XVII века в Голландии складывается целое направление – итальянизирующий пейзаж. Его представители: Николас Питерс Берхем, Ян Бот, Ян Асселейн – видные мастера своего времени. Художники умело использовали приемы, которым научились у мастеров итальянской школы. Их картины с холмистыми ландшафтами, фигурами людей и животных, отличаются необыкновенно поэтичным, идеализированным восприятием природы.
Менее популярным в Голландии в силу конфессиональной принадлежности был религиозный жанр. В творчестве живописцев, испытавших влияние Рембрандта, религиозные сюжеты оставались ведущими темами, как, к примеру, в монументальном полотне с изображением Иоанна Богослова работы неизвестного художника.
За годы музейного хранения произошли значительные изменения, связанные с атрибуцией экспонатов. Почти все произведения исследовались искусствоведами Москвы и Санкт-Петербурга, в числе которых М.Я.Либман, Ю.И.Кузнецов, И.В.Линник, М.Н.Никогосян, В.А.Садков, Т.В.Максимова.
Период расцвета голландской живописи был сравнительно непродолжительным – всего одно столетие, точно так же как и экономическая роль страны среди других европейских государств. Но никакая другая нация не смогла так полно выразить себя в искусстве как голландцы.
ИСКУССТВО ФРАНЦИИ XVIII - XX ВЕКОВ
.jpg)
В собрании музея-заповедника сформировалась обширная коллекция живописи французских мастеров, испытавших влияние рококо, неоклассицизма, реализма, импрессионизма – самых разных направлений европейского искусства трех столетий.
С началом XVІІІ века обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть «короля-солнца» Людовика XIV в 1715 году была завершающим событием в том ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.
Начало регентства герцога Орлеанского (дяди будущего короля Людовика XV) было ознаменовано сменой строгого придворного этикета атмосферой легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений и роскоши. Многое меняется: король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор – единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений.
В первой половине «галантного века», когда религиозная культура активно вытеснялась светской, ведущим направлением во Франции стало рококо – искусство, в котором много игры, фривольности и вычурности. Жанровые композиции на бытовые, исторические и мифологические темы, аллегории приобретают любовный, эротический оттенок. Пример тому «Венера и Адонис», где на первый план выходит эротизированный мотив прощания влюбленных. Картина «Сельская жизнь» выдержана в духе раннего рококо и является удачной копией произведения Франсуа Буше. Картину отличает сложная композиция, хрупкое изящество форм и легкость колорита.
Творчество Клода Жозефа Верне во многом определило французскую пейзажную живопись второй половины XVIII века. Его подлинной стихией были море и небо, ставшие образами многочисленных картин, которые пользовались большим спросом у заказчиков.
Великая французская революция и Империя вызвали к жизни новые эстетические идеалы. В очередной раз вернулись принципы классицизма. Этот стиль официально поддерживали французский король Людовик XVI и королева Мария-Антуанетта Австрийская, поэтому во Франции он стал именоваться «стилем Людовика XVI». Луи Гофье, будучи истинным классицистом, брал темы и образы из библейской истории и античной мифологии. Картина «Ромул и Рем» вдохновлена сюжетом из римской мифологии, который последовательно развивается на фоне идеального гармоничного пейзажа. Тела и лица главных персонажей совершенны, героями движут высокие чувства разума и долга. Колорит построен на классическом сочетании красного, белого и синего цветов. Вся сцена исполнена театральной патетики, что было так характерно для классицизма.
Развитие французского искусства середины XIX века тесно связано с именами живописцев барбизонской школы. На развитие пейзажной живописи и барбизонцев большое влияние оказали «малые голландцы». В то же время она была естественным продолжением никогда, в сущности, не прерывавшейся линии развития французского пейзажа эпохи классицизма. Тяга к природе, ко всему естественному, стремление противопоставить академическому направлению чувства простые и непритязательные отчетливо осознавались еще накануне французской революции и подготовили расцвет этого жанра. Ряд картин французских мастеров второй половины XIX-начала XX века свидетельствует об интересе к проблеме передачи света, воздуха, атмосферы. Все это подтверждают картины Жюля Жака Вейрасса и неизвестного художника круга Шарля Франсуа Добиньи. Творческие поиски барбизонцев открыли новые пути в искусстве, а многие их идеи были восприняты и развиты импрессионистами.
Во Франции XIX век оставил прекрасные образцы бронзовой анималистической пластики, на которую ориентировались в том числе и русские скульпторы. Популярные композиции Пьера Жюля Мена, Жюля Пьера Муанье, Исидора Жюля Бонера отличаются большой естественностью. Животные показываются во всем многообразии их характеров, драматических отношений. Выразительные, лишенные излишней детализации – в них много живого наблюдения и теплого чувства. Скульптуры тщательно моделированы, отточены по лепке.
С XVIII века Франция была центром художественной жизни всей Европы, опыт французских художников, их поиски во многом определили пути развития искусства других стран, вплоть до России.
.jpg)
Коллекция немецкой живописи начала складываться в 1920-х годах. После революции основная масса картин, находившихся в дворянских усадьбах и особняках, стала поступать сначала в уездные музеи, а затем в губернскую картинную галерею. В 1921-1922 годах в Смоленской губернии действовали Дорогобужский, Сычевский, Ельнинский, Горецкий, Гжатский уездные музеи, Ярцевское музейное хранилище.
Особую группу в экспозиции составляют произведения из усадеб Барышниковых – Алексино и Николо-Погорелое (Дорогобужский уезд). Картины барышниковского собрания помечены на обороте прямоугольным чернильным штампом: «Принадлежит Марии и Христине Барышниковымъ». Коллекционированием картин в разное время занимались многие представители этого богатейшего рода, известного на Смоленщине с конца XVII века. Иван Иванович Барышников (1749-1834) живо интересовался немецкой культурой, был знаком с художниками Петербургской Академии. Свое увлечение искусством он передал детям и внукам. Его сын, Андрей Иванович Барышников (1802-1864), часто бывая за границей, покупал картины художников разных школ и направлений, собирал рисунки, графические альбомы. Так, будучи в Риме в 1828 году, он приобрел у известного немецкого художника Йозефа Антона Коха «Пейзаж с жертвоприношением Ноя». Работы этого мастера в России относятся к музейным раритетам. Пополнял фамильную коллекцию и внук – Сергей Андреевич Барышников. В 1860-х годах он открыл в Мюнхене художественную мастерскую и сам занимался живописью. После революции из смоленских имений Барышниковых были вывезены в Москву произведения Рафаэля, Тропинина, Левицкого, Ротари, Брюллова. В 1924 году сестры Мария и Христина Барышниковы безвозмездно передали Румянцевскому музею и Третьяковской галерее более 20 полотен русских и западноевропейских художников.
Еще одним источником формирования собрания немецкого искусства стало поступление произведений русских и иностранных мастеров из Московского Археологического института, в том числе и немецких художников. В 1920-1930-е годы частными лицами были переданы «Стадо на пастбище» Иоганна Генриха Роса, «Гепарды, терзающие оленя» Карла Андреаса Рутхарта – известного художника-анималиста XVII века.
Экспозиция дает представление лишь об отдельных сторонах развития немецкой живописи. Немецкие художники XVII века, находясь под влиянием искусства итальянизирующих голландцев, писали картины, в которых анималистические сцены близко соприкасаются с пейзажным и бытовым жанром. Таковы произведения Иоганна Генриха Роса. Многие годы провел в Италии, знакомясь с творчеством венецианских и неаполитанских живописцев, один из самых одаренных немецких художников XVII века – Иоганн Генрих Шенфельд. Его итальянские впечатления отразились в картине «Кладоискатели», написанной по-барочному широко и свободно.
Немецкая живопись XVIII века также характеризуется иностранными влияниями. Подтверждение тому – произведения Христиана Вильгельма Дитриха и Оттмара Эллигера-младшего. Дитрих, профессор Дрезденской академии художеств, обладал уникальным даром передавать манеры выдающихся европейских мастеров: голландцев XVII века (особенно Рембрандта), французских и итальянских живописцев подобно Карраччи. Портрет, включенный в экспозицию – «Бородатый старик в шубе и берете», – знакомит зрителей с весьма типичной «дитриховской» моделью. Своих стариков художник часто изображал в восточно-славянских одеяниях, меховых шапках, беретах, украшенных драгоценностями. Портрет соответствует моде на кабинетный стиль XVIII века. Картина Эллигера «Молодая служанка» создана в конце 1680-х годов. Написанная в стиле рококо в свободной и изящной манере, она скорее напоминает портрет светской дамы, которому способный живописец удачно придал жанровый характер.
Выразителями идей немецкого классицизма в XIX веке были Йозеф Антон Кох и группа художников мюнхенской школы. Кох неоднократно обращался к библейской легенде о всемирном Потопе. «Пейзаж с жертвоприношением Ноя» являет собой не только образец классицистичного подхода к построению композиции, поиску пластического языка, но и свидетельствует о романтических привязанностях художника.
Мюнхенская школа – наиболее заметное и самобытное явление в немецком искусстве – широко представлена пейзажами Генриха Бюркеля, Христиана Моргенштерна, Макса Вагенбауэра, Эрнста Кайзера и других.
Вагенбауэр, проживший всю жизнь в Баварии, специализировался на изображении пасущихся стад. Его виды верхнебоварских плоскогорий, такие как «Пастух со стадом», отличаются точным соотношением пространственных планов, глубиной передачи света. Бюркель, чье богатое наследие включает жанровые произведения и пейзажи, долгое время увлекался искусством «малых голландцев» XVII века. Его работы отмечены интересом к предметному миру, органично связанному с общей живописной формой. «Улица в дождь» и «Летний пейзаж» – образцы прекрасной передачи пространства, сложных атмосферных явлений, тонкого понимания изменчивых состояний природы.
Стилевое направление «бидермейер», возникшее около 1815 года и активно развивавшееся до середины XIX века, демонстрируют превосходные произведения Карла Энгеля «За туалетом» и Фридриха Каульбаха «Портрет принца Германа Штольберга-Вернигероде». Для этого направления типичен интерес к правдивому изображению конкретной модели, интерьера, любование бытовыми деталями.
Коллекция немецких картин составляет четвертую часть собрания западноевропейской живописи Смоленского музея-заповедника. В 1950-1990-х годах большинство произведений было восстановлено специалистами ВХНРЦ им. И. Грабаря.
В экспозиции также представлен немецкий фарфор XVIII– начала ХХ веков, созданный на известных заводах Саксонии и Тюрингии, таких как Мейсенская мануфактура, фарфоровая мануфактура Карла Тиме и других. Безусловный интерес вызывают предметы, произведенные на Венской Императорской фарфоровой мануфактуре – второй по значимости после Мейсенской.
